Casa Cor inicia os preparativos para a mostra 2017

Foco no essencial: Casa Cor inicia os preparativos para a mostra 2017

Colégio José Carlos de Almeida

Colégio José Carlos de Almeida

O essencial é que é o foco da Casa Cor 2017. Em Goiás, a maior mostra de design está marcada para acontecer ente os dias 12 de maio a 21 de junho no centro de Goiânia. A novidade? Os preparativos para que a mostra acontece nos dias programados já começaram.

No segundo ano consecutivo a exposição volta ao centro da capital goiana e transformará o interior do Colégio José Carlos de Almeida, localizado na Rua 23 em uma casa cheia de design. A escola está desativava, mas faz parte do grupo de prédios Art Deco da capital tombado pelo estado como Patrimônio Histórico. Após autorização, os arquitetos começaram a mexer no espaço, alguns deles com o luxuoso auxílio do Armazém da Decoração.

Os arquitetos ficarão responsáveis pela restauração do edifício que, após o encerramento do evento, abrigará a Conselho Estadual de Educação de Goiás (CEE-GO). “É fundamental a devolução do prédio em um excelente estado [para a comunidade], até porque é uma atitude sustentável. É um compromisso que nós assumimos. É um prédio que temos um carinho muito especial e a gente tem que devolver e entregar ele em excelentes condições”, explicou Eliane em entrevista ao portal G1 Goiás.

A Casa Cor Goiás 2017 contará com 40 ambientes projetados por 54 profissionais. O tema: “Foco no Essencial”. Aguardem…

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Pedra no Céu: Paulo Mendes da Rocha

Paulo Mendes da Rocha é um dos arquitetos mais premiados do Brasil. Seu trabalho cruzou fronteiras, suas linhas marcam a história da arquitetura e seu nome é conhecido nos quatro cantos do mundo. É por […]

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Paulo Mendes da Rocha é um dos arquitetos mais premiados do Brasil. Seu trabalho cruzou fronteiras, suas linhas marcam a história da arquitetura e seu nome é conhecido nos quatro cantos do mundo. É por isto que o designer, arquiteto e professor da USP ganha uma homenagem de dentro de um dos prédios que carrega seu design: a exposição Pedra no Céu realizada pelo Museu Brasileiro da Escultura (Mube) até o dia 2 de julho em São Paulo.

Pedra no Céu é uma alusão às pedras levantadas no céu pelo arquiteto, como a própria sede Mube. A exposição traz mais de 50 obras de 25 artistas que de alguma forma dialogam com o trabalho de Paulo Mendes, como Amilcar de Castro, Carmela Gross, Cildo Meireles e Nuno Ramos. Parte do acervo do Museu de Arte Moderna (MoMa) de Nova York, a maquete do Mube também está na exposição.

“A nossa proposta, ao pensar esta mostra, foi homenagear o trabalho de Paulo Mendes da Rocha”, explicou historiador de arte Cauê Alves, curador da mostra. “Paulo é autor do prédio do Mube, que é um dos dez prédios mais importantes da arquitetura brutalista do mundo”, lembrou.

Segundo os curadores Guilherme Wisnik  e Alves, a mostra se aproxima das referências artísticas de Paulo Mendes da Rocha e de diálogos que ele estabeleceu entre o seu projeto e a produção de artistas como René Magritte e Henry Moore. “A exposição também explora relações entre o museu e a produção contemporânea, seja a partir de contrastes ou de consonâncias. Trabalhos tridimensionais, fotografias, pinturas e desenhos de diversos artistas que se relacionam com arquitetura e elementos estruturais do prédio do museu, como a marquise, as paredes de concreto e a paisagem, estão exibidos”, concluíram.

Paulo Mendes

Capixaba de nascença e paulistano de vivência, Paulo Mendes da Rocha pertence a um seleto grupo de arquitetos modernistas que movimentaram o design nacional, no Brasil e no exterior. Paulo assumiu uma posição de destaque a partir do premio Pritkzer que recebeu em 2006 e assinou projetos de renome na arquitetura nacional, como o pórtico da praça Patriarca, a reforma da Estação da Luz e o ginásio do Clube Paulistano, além do já mencionado museu Brasileiro da Escultura (Mube).

Graduado em arquitetura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie de São Paulo, desde o início de sua carreira Paulo valorizou uma arquitetura “crua, limpa e clara”, característica que imprimiu também em seus mobiliários. É por esta razão que Paulo é considerado, ao lado de Vilanova Artigas e Le Corbusier, um dos grandes nomes do modernismo.

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O corpo humano e os objetos cotidianos na perspectiva de Erwin Wurm

CCBB mostra 40 obras do artista Erwin Wurm e sua reação entre o corpo e os objetos

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Os objetos e o corpo são temas da mostra do austríaco Erwin Wurm em cartaz no Centro Cultural do Banco do Brasil (CCBB) em Brasília. A mostra chegou à capital federal para as comemorações de aniversário da cidade, mas antes estavam em cartaz na capital paulista.

Erwin Wurm apresenta uma série de trabalhos que discute justamente a relação do corpo humano com as coisas, não apenas a partir do físico, mas também de suas camadas psicológicas e espirituais.

Suas obras utilizam um deslocamento de elementos do cotidiano para o campo da arte, reconfigurando objetos familiares como casas, carros, roupas e alimentos para um contexto inesperado, engraçado e ao mesmo tempo crítico em relação à sociedade contemporânea.

Erwin Wurm nasceu na Áustria em 1954 e ficou sobretudo conhecido por seu trabalho com esculturas, inclusive suas esculturas de performance.  Na obra One Minute Sculptures, que apresentou pela primeira vez na Alemanha e que trouxe ao Brasil para a exposição no CCBB, o autor escolhe objetos banais do cotidiano para interagir com o publico.

O autor escolheu as 40 peças que trouxe ao Brasil para tratar de forma crítica da desproporção que os objetos ganham na vida das pessoas. Então quem passar por Brasília até o dia 26 de junho, não perca.

Fonte e Imagem: CCBB

Uma visita à Design Week

O Salão do Móvel de Milão chegou ao fim no ultimo domingo, mas o Blog AZ continua mostrando o que de melhor a feira mostrou em 2017

MOOOI na Design Week

MOOOI na Design Week

O 56º Salão do Móvel de Milão pode ter chegado ao fim no último domingo (9), mas nós ainda estamos encantados com o que vimos. É por isso que este post se dedica a dar uma volta em alguns stands e mostrar o que foi mostrado na Itália na ultima semana.

A Kartell já foi vítima do nosso encanto em uma matéria específica sobre seu stand. A marca usou o termo ContamiNation para mostras peças de mobiliário contaminadas pelo design mundial. Outro stand que falou sobre design do ponto de vista do multiculturalismo foi a nossa querida A Lot Of Brasil. A indústria brasileira levou para a Itália o design nacional contaminado pelo design mundial.

A MOOOI apresentou Life Extraordinary, explorando o mundo dos interiores mostrando diferentes áreas que têm sua própria aparência funcional refletindo as ideias da marca em torno de configurações interiores de hotéis, restaurantes, lobbies, escritórios, casas e bares. Um mundo inteiro da MOOOI que pode ser visto nessa visita virtual. Outro stand que não deixou a desejar foi o de Paola Lenti. Seus coloridos móveis outdoor somaram-se ao seu incrível trabalho com a tapeçaria – tudo exposto em forma de arte.

Fique com fotos oficiais do evento e se delicie com o melhor do design na Design Week de 2017.

Kartell

Kartell

Kartell

Kartell

A Lot Of Brasil

A Lot Of Brasil

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Zaha Hadid no Salão do Móvel de Milão

A cadeira postuma Tippy foi uma das homenagens da Design Week para Zaha Hadid, que faleceu há um ano em 31 de março

Cadeira postuma Tippy

Cadeira postuma Tippy

No dia 31 de março de 2016, a premiada arquiteta Zaha Hadid nos deixou. Um ano depois a maior feira de design do mundo espalhou suas peças pela cidade para homenagear Hadid e seu importante trabalho. Tanto o Salão do Móvel de Milão, quanto a Fuorisalone – principal evento paralelo que acontece durante a semana do design – não se esqueceram da iraquiana erradicada na Inglaterra.

Uma das estrelas da mostra foi poltrona Tippy, criada por Zaha Hadid em 2011. A poltrona Tippy foi desenvolvida postumamente pela Sawaya e Moroni como homenagem à arquiteta, que colaborava frequentemente com a marca. A Sawaya e Moroni anunciou, entretanto, que apenas 24 unidades serão produzidas. Além da Tippy, as esculturas White in the City e Aura, e também a Aqua Table participaram da Design Week.

Zaha Hadid nasceu em Bagdade, mas os primeiros passos da sua carreira foram dados na Universidade Americana de Beirute, no Líbano, onde começou estudando matemática. Anos mais tarde se mudou para Londres e completou seus estudos na Architectural Association School of Architecture.

Seus trabalhos, sempre meio futuristas, caminharam entre a linha da inovação e do emblemático. Com suas curvas acentuadas e iluminação intensa, a arquiteta estabeleceu um novo método de criar seguindo a linha do desconstrutivismo. As obras de Zaha Hadid foram grandiosas assim como a arquiteta e o Salão do Móvel de Milão lembrou isto durante a mostra.

Aqua Table (Foto: David Skyes)

Aqua Table (Foto: David Skyes)

Escultura Aura (Foto: Luke Hayes)

Escultura Aura (Foto: Luke Hayes)

Kartell Contamination

Contaminação foi o termo escolhido pela Kartell para dizer que seu design está contaminado por vários designs e várias nações em um encontro bem cosmopolita

Kartell
No Pavilhão 20, o mais importante da Design Week, outra importante marca de design expõe seus clássicos e lançamentos na Semana do Móvel de Milão 2017. Sem mais delongas, estamos falando a Rainha dos polímeros, a Kartell. A italiana tem um dos stands mais visitados e esperados da mostra, e este ano escolheu o tema contaminação.

Contaminação foi o termo escolhido pela Kartell para dizer que seu design está contaminado por vários estilos, épocas e gerações. Isto decorre da liberdade que seus designers têm para criar, com os melhores recursos tecnológicos, o melhor do design no plástico.

ContamiNation é também uma brincadeira com a palavra em inglês “Nation”, que significa nação. Na realidade a própria Kartell é uma nação por si só, já que soma a importância e o alcance de seu design com a colaboração de verdadeiros artistas do móvel de diversas nacionalidades. É um design que carrega a qualidade italiana com a diversidade do cosmopolitismo, uma verdadeira contaminação criativa.

Segundo a empresa a “contaminação”, ou melhor, a “diversidade” é a essência do design atual. Por isto que a coleção Katell Milão 2017 foi contaminada para se tornar parte de um universo que é incrivelmente infinito e menos padronizado. O resultado é um projeto que reflete contemporaneidade e autenticidade global.

Este ano a Kartell criou um stand bem colorido, com peças dos protagonistas que desenham para a marca, como Philippe Starck, Patricia Urquiola, Ferruccio Laviani, Fabio Novembre entre outros, que juntos contaminaram o espaço com seus designs novos e já conhecidos do público.
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Imagens:
Divulgação Kartell

Antropofagia da A Lot Of Brasil em Milão

A indústria Lot Of Brasil participa de mais uma edição do Salão do Móvel de Milão para mostrar ao mundo o design brasileiro

Coleção Estrela - Irmãos Campana

Coleção Estrela – Irmãos Campana

A Lot Of Brasil carrega desde 2013 a grande responsabilidade de representar o Brasil na maior mostra de design do mundo: o Salão do Móvel de Milão. Como o próprio nome já diz, A Lot Of Brasil é um Brasil muito plural, e a mensagem que a empresa procura passar com sua mostra em Milão é o orgulho daquilo que é “mede in Brazil”.

A indústria A Lot Of foi  primeira brasileira a ser selecionada para participar do Salão Internacional do Móvel de Milão e em 2017 a empresa leva mais uma vez o pedacinho do Brasil para o mundo em seu stand montado no importante Pavilhão 20 da feira.

O tema original do Brasil permeia todo stand da A Lof Of, com uma área de paredes cobertas pela biodiversidade da flora brasileira. Este ano, importantes peças retornaram a Milhão, como a Coleção Estrela dos Irmãos Campana e a peças Underconstruction e Esqueleto, do diretor da indústria e designer Pedro Franco.

Andrea Borgoni - Cariri Collection

Andrea Borgoni – Cariri Collection

Mas o destaque foi para a Cariri Collection, assinada por Andrea Borgogni, que é uma coleção feita por mestres de ofício e artesões.  “A China massificou muito a produção moveleira, e não só moveleira, e os produtos acabaram perdendo a alma. Quando a gente fala do local, a gente está falando em trazer de volta uma alma. Quando falamos em uma coleção, esta alma está no ponto de partida da criação das peças e este ponto está nas culturas locais”, explicou Pedro Franco em entrevista para a Casa Cor TV.

A coleção Cariri veio para trazer de volta a alma e apresentar peças que conseguiram capturar a o espirito brasileiro, ainda que criada por um italiano. A ideia da A Lot Of Brasil é a de apresentar criações que possibilitam o reencontro do Brasil em outros lugares do mundo. A Cariri Collection é formada por peça de madeira escultórica. Na verdade, a madeira utilizada na coleção é a mesma usada por artesãos para esculpir santos.

A Coleção Estrela, dos Campana, sai com um novo lançamento: a poltrona estrela em balanço e coberta com imãs redondos. Outros clássicos da A Lot Of Brasil também estão de volta em 2017. Para Pedro Franco, diretor da marca, a indústria trabalha com o velho conceito da antropofagia: traz conceitos internacionais para o Brasil, recria com a alma da cultura nacional para, em seguida, devolver ao mundo. A Lot Of Brasil completa mais um ano fazendo o belo trabalho de apresentar ao mundo o respeitadíssimo design nacional.

Sofá Underconstruction - Pedro Franco

Sofá Underconstruction – Pedro Franco

Poltrona Estrela (com ímã)

Poltrona Estrela (com ímã)

Imagens: Divulgação/A Lot Of Brasil

 

SP-Arte acontece entre os dias 6 e 9 de abril

Semana de arte de São Paulo começa a se movimentar com a 13ª edição da SP-Arte, que acontece entre os dias 6 e 9 de abril

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Ontem anunciamos o início da Semana de Design de Milão, mas não é apenas a cidade italiana que respira arte nesse início de abril. Amanhã São Paulo recebe mais uma edição da Festival Internacional de Arte de São Paulo (SP-Arte), feira onde as galerias recebem colecionadores e amantes da arte para mostrar o que artistas brasileiros e internacionais feito de novo no seguimento.

São Paulo é considerada uma das dez cidades mais importantes do mundo quando o tema é arte. Foi por isso que em 2005 foi criada a SP-Arte. Em 2017 a feira completa 13 edições e será realizada entre os dias 6 e 9 de abril no Pavilhão da Bienal Parque Ibirapuera.

Este ano, o evento reúne mais de 120 galerias de arte moderna e contemporânea do Brasil e do mundo. “O nosso trabalho, ao longo de mais de uma década, foi sempre no sentido de democratizar o acesso à arte, trabalhando pela formação de novos apreciadores e colecionadores, fazendo circular ideias e informações, divulgando eventos e exposições, criando prêmios de incentivo e ações como o Gallery Night, que têm como foco ocupar a cidade com arte e convidar o público a transitar por bairros paulistanos, visitando galerias e museus”, afirma Fernanda Feitosa, diretora e fundadora da SP-Arte.

Na abertura da semana do Festival, SP-Arte e Videobrasil unem forças para apresentar no Galpão VB a mostra “Nada levarei quando morrer, aqueles que me devem cobrarei no inferno”, que conta com uma seleção de trabalhos em vídeo de artistas brasileiros centrais da cena contemporânea.
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Design

A feira também dá destaque ao design mobiliário, iluminação, antiquário e objetos, que foi sucesso de crítica e público na mostra de 2016 – ano que a feira estreou na exposição deste seguimento. Este ano, a SP-Arte expõe o melhor da produção nacional em sua segunda edição da SP Design. Estarão presentes galerias como ETEL e Hugo França e ainda o SP Design apresenta artistas icônicos como Sergio Rodrigues, Zanine Caldas, Lina Bo Bardi e Jorge Zalszupin e também novos destaques da geração contemporânea como Zanini de Zanine, Jader Almeida e Irmãos Campana.
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Informações e imagem: Assessoria SP-Arte

Salão do Móvel de Milão começa nesta terça-feira

Milão abre as portas para 56ª edição do Salão do Móvel de Milhão, que acontece entre os dias 4 e 9 de abril

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Em 2017, Milão recepciona a 56ª edição do maior evento mundial sobre design mobiliário: o Salão do Móvel de Milão (Isaloni). Este ano, a feita acontece entre os dias 4 e 9 de abril, ou seja, a cidade já está aberta para o design.

A feira surgiu em 1961, quando o país estava tentando promover a exportação de míveis italianos e divulgar para o mundo a qualidade do design local. A ideia deu certo. Hoje os móveis italianos são prestigiados e a feira se tornou ponto de passagem obrigatório para designes, arquitetos, industriais e comerciantes do ramo. A feira cresceu tanto, que deixou de promover apenas o mobiliário nacional, e recebe peças de designs jovens e renomados vindos de todas as partes do mundo.

O Salão especificamente acontece no distrito expositivo de Rho, mas a cidade é tomada pelo design. Diversos outros eventos, paralelos, acontecem nas mesmas datas e quem desembarca em Milão nesta semana, respira design nos quatro cantos da cidade.

A edição de 2016 atraiu 372.151 visitantes, este ano a expectativa é passar novamente a marca dos 300 mil, que visitarão os 2.407 expositores, dos quais 1.685 são italianos e 722 estrangeiros. A organização espera que o evento faça a cidade faturar cerca de 230 milhões de euros.
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Mostras paralelas

Além do badalado Salão do Móvel, que de terça a sexta recebe profissionais do setor –o espaço é aberto ao público apenas no fim de semana –, a cidade recebe mostras paralelas, como a Euroluce, dedicada exclusivamente ao setor da iluminação, e o Workplace 3.0, que dá espaço às novidades para os projetos de ambientes de trabalho e escritórios.

Mas a festa fica mesmo a cargo do Fuorisalone, evento paralelo que se espalha pelos principais bairros da cidade. É lá que grande parte dos designers brasileiros mostram seus trabalhos. O foco principal da Fuorisalone é abrir espaço e oportunidade para que os jovens designers italianos e estrangeiros se apresentam ao mundo do design.

Mais informações podem ser encontradas aqui no Blog AZ ao longo da semana e também nas paginas oficiais do Fuorisalone e do Isaloni.
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Imagens: Divulgação

O céu ainda é azul, você sabe…

Instituto Tomie Otake recebe obras de Yoko Ono para uma grande retrospectiva da carreira da artista

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Yoko Ono é a vanguarda da arte. Seu trabalho questiona as fronteiras tradicionais entre a obra e público, e o Instituto Tomie Ohtake vai diminuir mais estes dois extremos em mostra retrospectiva da obra da artista. O crítico islandês Gunnar B. Kvaran é o curador da exposição O Céu Ainda é Azul, Você Sabe…, que pretende revelar os elementos básicos que definem a vasta e diversa carreira artística de Yoko Ono.

Pioneira da arte conceitual, ainda hoje Yoko Ono continua a contestar o conceito de arte e do objeto de arte e por isto a exposição se propõe a viajar pela noção da própria arte, com forte engajamento político e social da obra de Yoko.

A exposição foi concebida especialmente para o Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, e é formada por 65 peças de “Instruções”, que evocam a participação do espectador para sua realização. São trabalhos que sublinham os princípios norteadores da produção da artista, ao questionar a ideia por trás de uma obra, destacando a sua efemeridade enquanto a dessacraliza como objeto.

Yoko Ono é compositora, cantora e artista plástica. Nascida no Japão em 1933, Yoko estudou nas melhores escolas até sua mudança para os Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial. Foi em Nova York que a artista passou a conviver entre artistas e músicos – incluindo seu segundo marido, o Beatle John Lennon – e, em meio à efervescência cultural da década de 1960 desenvolve seu rico trabalho artístico.

Segundo Gunnar B. Kvaran, curador da mostra, O Céu Ainda é Azul, Você Sabe… é uma retrospectiva de “Instruções” que evidencia as narrativas que expressam a visão poética e crítica de Yoko Ono. São trabalhos criados a partir de 1955, quando ela compôs a sua primeira obra instrução, Lighting Piece / Peça de Acender (1955), “acenda um fósforo e assista até que se apague”. Na exposição, é possível seguir a sua criatividade e produção artística pelos anos 60, 70, 80, até o presente.

A mostra abre suas portas amanhã e fica em cartaz até 28 de maio, então quem passar por São Paulo neste período, não deixe de conferir. A entrada é de 12 reais a inteira e os horários de visitação são das 11h às 13h, das 13h ás 15h, das 15h às 17h e das 17h às 20h.

Informações e imagem: Instituto Tomie Ohtake